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Peter Kaiser
DIE NACKTE WAHRHEIT

Ekmans dreiteilige Studie der Unterhaltungsindustrie bringt die Sache auf den Punkt. Was hinter einem inzwischen unüberschaubaren Wirtschaftsfaktor mit Verzweigungen in alle Winkel und Abwasserkanäle des sogenannten postmodernen Lebens steckt, ist vor allem Geld, die verzweifelte Suche nach innovativen Ideen und dem richtigen Plot, harte Arbeit und eine Mischung aus Fadesse und Erschöpfung.
Seit der zwingenden Analyse durch die Dialektik der Aufklärung von Horkheimer und Adorno, ist die Branche in der Rollenverteilung unverändert: Der Konsument als Zuseher delegiert seine Fantasien und Gelüste (sein Leben!) an die bezahlten Profis auf der Bühne oder Leinwand.

Alexander Ekman, der bei Triptych für Choreografie, Bühnenbild und Text verantwortlich ist, wurde 1984 in Stockholm geboren. Er tanzte unter anderem bei Nacho Duato und Mats Ek. Seit 2005 ist er Mitglied des 1967 von Birgit Cullberg als Teil des schwedischen Riksteatern gegründeten Cullberg Ballet. Ekman arbeitet mit internationalen Ensembles wie dem Bern:Ballett, dem Nederlands Dans Theater I oder der Iceland Dance Company Reykjavík.

Des Triptychons erster Teil ist der Suche nach der zündenden Idee für die nächste Produktion gewidmet und der Umsetzung dieser. Die immerwährende Formel lautet: Synchronized movement works!
Die fantastische Darstellerin der Produzentin, welche in verblüffender Weise Schauspiel- Tanz- und Redekunst in sich vereint, kommt wenig überraschend auf die Eckpfeiler des Entertainments zurück: Massenszenen (William Forsythe lässt grüßen), Slapstick, Rhythmus und viel Trallala.
Von Verklärung des Showbiz also keine Spur; dafür umso mehr lustvolle, quietschvergnügte Umsetzung ohne Angst vor Niveauverlust.
Einen Bruch in dieser sehr intelligent und unterhaltsam gemachten Analyse stellt sich ein, wenn Darsteller und Darstellerinnen sich ins Publikum mischen und zu starren beginnen, als würden die Rollen plötzlich umgedreht: die Zuseherin als Voyeurin findet sich ertappt und peinlich berührt.

Der zweite, im Pausenfoyer stattfindende Teil, bannt die Tänzer in Glasvitrinen und macht sie bei den wunderschönen Klängen von Corellis La Folia zu musealen Objekten. Die Assoziation mit einer Konservierung in Spiritus kommt wie bei allem ehrfürchtig Verwahrten nicht von ungefähr.
Das letzte Bild rückt den Schausteller als Menschen sowie die Theatermaschinerie und damit wiederum den Menschen als unverzichtbaren Teil ebendieser Maschine in den Mittelpunkt.
Erschöpfung, abgewechselt mit Konvulsion, sich immer wiederholende Anweisungen der Produzentin, alles einmal in Zeitlupe und einmal hektisch, letztlich eine ewige Wiederholung.
Der Darsteller als Projektionsfläche des, sich im sicheren Exil des Zuschauerraums befindlichen Konsumenten, entpuppt sich als ferngesteuerte kybernetische Marionette, die seelenlos der Produzentin bis zur letzten Konsequenz zu Willen ist.
In einer sehr beeindruckenden und berührenden Schwimmbewegung auf dem Bühnenboden umschmeichelt ein nackter Mann mit Grinsemaske die völlig ausgebrannte Produzentin: Der vergessene Lemur einer erstarrten Demiurgin.
Das Spiel ist aus. Wer trägt den Müll hinunter?

Peter Kaiser
MAGIC AND LOSS

Edgar ist ein wunderbares Stück Tanz- und Bewegungstheater im Wortsinn und ein Stück für Kinder und Erwachsene gleichermaßen. Als Kinderstück zeigt es vor allem, was man Kindern gegenüber nicht darf: sie unterfordern. Deren Fantasie anzuregen und ihre Aufmerksamkeit zu fesseln, schaffen die beiden Regisseure und Darsteller in Personalunion mit Leichtigkeit. Der Beweis: trotz der Hälfte Kinder unter zehn Jahren im Publikum, ist es während der Aufführung mucksmäuschenstill - von gelegentlichen Ausrufen des Erstaunens abgesehen; aber diese können auch von Erwachsenen stammen.

Erwachsene ihrerseits können die teilweise atemberaubende Performance genießen oder sich von der absurden Komik zum Reflektieren anregen lassen. Claudia de Serpa Soares und Grayson Millwood scheinen sich vielleicht nicht ganz unbewusst zum Beispiel von Samuel Becketts Endspiel Inspirationen geholt zu haben.

Am Anfang war die Essiggurke. Ein unförmiger Mann, welcher augenscheinlich eine Vorliebe für dieses Essiggemüse besitzt, bekommt vier Hände um Origami zu betreiben und gebiert schließlich nicht ohne Geburtswehen ein zweites Ich aus sich heraus: einen hassgeliebten Zwilling. Mit diesem nun werden Kämpfe um Trennung und (Wieder-) Verschmelzung ausgefochten. Man verbirgt sich zwischen Kartonhäusern, sperrt sich ein, aber entkommt dem eigenen ICH nicht.

Die Essiggurke, welche als absurder roter Faden durch das Stück führt (und welche ab sofort zur Lieblingsspeise der zusehenden Kinder mutiert), wird schließlich auch namensgebend für eine Jahrmarkt-Show, wie sie nur in der Zeit vor dem fantasieverschlingenden Kino möglich war: The Amazing Pickle Show – Magic And Miracles. In ihr kommt die beinahe somnambule Bewegungskunst und Akrobatik der Darsteller erneut atemberaubend zum Ausdruck.

Im anschließenden Publikumsgespräch erklärt Millwood, welcher dem FSH-Publikum noch von der außergewöhnlichen Produktion Lawn der Splintergroup in Erinnerung ist, dass es zwei Dinge gewesen seien, welche sie beide zur Umsetzung gereizt hätten. Zum einen ein Faible für Magie, zum zweiten der exorbitante Größenunterschied der beiden. Vor allem im zweiten Fall scheinen sie auch tatsächlich an die Grenzen des Möglichen zu gehen.

Edgar zeigt in seiner Attraktivität für Kinder und Erwachsene, wie wir alle der Anregung unserer Fantasie bedürfen, um die in uns schlummernden und vor der Realität verschlossenen Reiche betreten zu können. Bei den Kinder lauern diese noch knapp unter der Alltagsallüre; bei uns Erwachsenen sei auf Lou Reeds Magic and Loss verwiesen.

Da bleibt nur zu rufen: Es lebe die Essiggurke!

Grayson Millwood wurde in Australien geboren und ist Mitbegründer der Splintergroup. Claudia de Serpa Soares wurde in Lissabon geboren. Beide sind Mitglieder des Ensembles von Sascha Waltz in Berlin. Edgar entstand 2007 in Freiburg und steht im FSH zum zweiten Mal auf dem Programm.